Archivo para julio, 2008

Lounge clasicón / don Juan García Esquivel – reloaded mp3

Posted in MÚSICA with tags , , , on julio 31, 2008 by zewx

Una vida en estéreo

Entramos a comer en esa pequeña fonda con la impaciencia de siempre, pero de pronto cambió el semblante cuando escuchamos en la radio un estilo bárbaro pero fino a la vez, un sonido inconfundible. Años habían pasado desde la estrambótica fiesta donde un ebrio dee jay aventó a los platos toda una sesión de Esquivel, como sencillamente se le conoce al padre del lounge, aunque su primer apellido fuera García.

Recordamos una noche de martinis, gin tonic, copas de rosada espuma, modales y gestos sofisticados, de toda una generación, la de los 50 en Estados Unidos, que replanteó la liviandad a lo Gran Gatsby, pero con un optimismo espectacular y grandes dosis de un glamour que predelineaba la cultura pop norteamericana de los años 60.

Debutó a los 14 años en la W, y después su orquesta animaba los programas en vivo más populares en la “época de oro” de la radio en México, los años 40, y son de su autoría incontables temas de series de radio y después televisión.

Emigró a Estados Unidos incorporándose fácilmente a la industria del entretenimiento, y se convirtió en famoso icono de los salones de baile, con una cantidad enorme de coristas y músicos, bajo una dirección futurista y extravagante: la música de mister don Juan Esquivel.

Escuchar alguna de sus piezas es una experiencia inquietante: fugas arrebatadas de piano, seguidas de pegajosas melodías, ataques de percusiones (a la mambo) y cambios súbitos de tempo, además de una elegante frivolidad, con la distorsión de coros, para simplificar las letras en melosas onomatopeyas con 8, 10 y hasta 12 voces.

Lo más asombroso fue su interés por experimentar con el sonido estereofónico, a tales extremos, que calculaba el juego de cada instrumento de sus orquestaciones en un sistema de diálogo en aparente desorden, en el cual se podían oír pianos, trombones, guitarras, percusiones insólitas, campanas chinas, arpas judías, arreglos de cuerda de mariachis e instrumentos futuristas como el ondioline y el theremin, en un multidiálogo que brinca de un canal a otro. Su vocabulario musical era tan amplio que un amigo acuñó el termino sonorama para describir los complejos arreglos que hicieron las delicias de la cocktail nation.

Regresó brevemente a México y compuso la música del programa infantil “Odisea Burbujas”, que vendió más de un millón de copias, y fue creador de temas musicales para populares series de televisión como Baretta, La Mujer Biónica, Columbo, Kojak y Miami Vice.

En 1993 visita a su hermano en Cuernavaca, México, resbaló y se fracturó la cadera, recluyéndose desde entonces, pero su fama emergió de nuevo un par de años después, cuando las nuevas generaciones redescubrieron el exotismo de la música de los 50. Después de una vida gozosa y de lustre social, Juan García se encerró para siempre, y concedió contadas entrevistas, la última en un chat en Internet, contento de recordar su aventura musical.

Se le ha considerado superficial, por alimentar programaciones y productos ambientales llamados easy listening, de elevador o supermercado, pero hoy se le considera el creador de un concepto mutante de la cultura pop, el de la “era espacial” por televisión, y un innovador en la técnica de producción, al manipular con maestría la programación canal por canal, para orquestaciones de 22 instrumentos, lo cual es, digamos de paso, nada fácil.

Terminábamos el postre, dulce de tapioca en una tacita de plástico color champaña, cuando por la radio el locutor se despedía del programa: “Pues bien, este fue un homenaje al queridísimo maestro Juan García Esquivel, nacido en Tampico, Tamaulipas en 1918, quien falleció hoy, 3 de enero de 2002, en su casa de Jiutepec, Morelos… que baile hacia la eternidad”.

Esquivel

Begin the beguine

Surfboard

All of me

Amor, amor

Honky tonk cha cha

Agua de beber

Temptation

El chavo del 8

St. Louis blues

Foolin’ around

Frosty the snowman

Lamento Borincano

BONUS TRACKS

Porque usté lo pidió, con toda la dosis de exotismo y de la clásica música de elevador, conocida como easy listening music. Bon apetit!

Briamonte Orchestra – “Rota Sul

Ry Cooder & Manuel Galban – “Caballo viejo

Astrud Gilberto – “Fly me to the Moon (in other words)”

The Roger Webb Sound – “Play girl

Glenn Miller – “(I’ve got a gal in) Kalamazoo

Les Baxter – “Hong Kong cable car

Henri Rene – “Whispering

Glenn Miller – “Chattanooga Choo Choo

Senor Coconut – “Smoke on the water” (Deep Purple cover)

Pink Martini – “Bolero” (Maurice Ravel)

El dub: la ciencia de la reverberación / latidos del asfalto desde el corazón jamaicano

Posted in MÚSICA with tags , , , , , , , on julio 31, 2008 by zewx

La espiritualidad de la música creada y ejecutada con ritmos y estructuras melódicas que interpelan al cuerpo y se acoplan con su propio ritmo y biodinámica; las culturas criollas de ascendencia africana como la de Jamaica, en su aculturación con los británicos, han dado al mundo de la música una de las revoluciones subterráneas más importantes. La unidad del sonido y la palabra tiene un significado cuasi religioso, y para el rastafari una fuerza vital en su combinación, el lenguaje hablado y el ritmo, la sincronía de un discurso y un ambiente, los ingredientes del dub.

I. Historia Antigua

Vegetación exuberante, de isla tropical y mares calmos, altas temperaturas y ríos serpentean montañas de plantas azules: Xamaica, la “Tierra de las Primaveras” en la lengua arawak. En el siglo XVI las culturas amerindias fueron exterminadas por los conquistadores y colonizadores, y a mediados del siglo XVII los ingleses tomaron control de la isla. Se implanta la esclavitud importándose negros de África; se precipitan revueltas y la esclavitud es eventualmente abolida pero quedan restos en la memoria colectiva. Jamaica logró su independencia el mismo año que Argelia: 1962.

Durante la década de los 50 el jazz y los cadenciosos ritmos del calypso se distinguen en la vida nocturna de Jamaica; la música responde a las leyes de la teoría de la evolución: no hay generación espontánea, la historia de la música está hecha de rupturas, mezclas e influencias combinadas de estas dos corrientes musicales, que subsecuentemente dieron origen al blue beat, ska y rudie (la música de los “chicos rudos”), y luego el rock steady, basado más en la melodía. El común denominador: un tempo vocalizado, en staccato (skank). En varios sentidos, es la primera versión caribeña del rock. Estas tendencias sacudieron Jamaica hasta casi fines de los 60. Prince Buster, Desmond Decker, The Ethiopians, Don Drummond and the Skatalites fueron sus representantes más sobresalientes, seguidos por Toots and the Maytals y Jimmy Cliff.

II. El sound system y el ghetto

Mucho antes de que las grandes disqueras se percataran, las producciones esenciales de reggae están en discos de 45 revoluciones, manufacturadas en Studio One, Tuff Gong y otras. En el lado B de los discos usualmente podrían encontrarse las versiones instrumentales de las piezas. Estas versiones empezaron a ser usadas por los sound system. Básicamente estos sistemas de sonido móviles supuestamente difundían el evangelio del reggae en los suburbios urbanos, utilizando medios rudimentarios pero eficientes, que era medida por el tamaño de las bocinas.

Por estas bases fundacionales puede decirse que el dub fue el génesis de la cultura del remix. Las primeras fiestas callejeras de hip-hop en Nueva York organizadas por gente como Kool Herc y Grandmaster Flash resultan obviamente derivadas de la escena sound system en Kingston, Jamaica. Los primeros héroes de la disco music como Walter Gibbons y Arthur Russell; Francois Kevorkian, Larry Levan y Shep Pettibone, deben sus innovaciones a la mezcla a los pioneros genios experimentales de Jamaica. La idea de considerar a la mezcladora como instrumento y al DJ / remixer como artista, deviene directamente del dub.

Larry Levan entró en contacto con el dub al trabajar con Sly and Robbie para el álbum de los Peech Boys en Island Records. En su Historia del House, Phil Cheeseman considera que el doce pulgadas “Don’t make me wait”, “… llevó las cosas en una dirección distinta, con sonidos expansivos y sintetizados, introduciendo por primera vez los efectos dub y los cortes de una manera que no había sido escuchada”.

Kool DJ Herc, es considerado como el “padrino del hip-hop”, nació en Jamaica en 1955, mudándose al Bronx de Nueva York en 1967, a los doce años, y se dio a conocer como DJ con una propuesta única de r&b, soul, funk, y disco oscura, convirtiéndose en símbolo del modo de vida hip-hop, qui dio vida al concepto B-Boy (beat boy, break boy, Bronx boy), creando como resultado el break dancing. Herc fue el primer DJ que utilizó dos discos iguales para lograr un break de sólo 15 segundos. Al mezclar hacia delante y atrás los mismos cortes, era capaz de duplicar, triplicar o extender indefinidamente el break, deconstruyendo y reconstruyendo efectivamente los sonidos originales, utilizando las tornamesas como un instrumento musical.

Dub mix

King Tubby – “Dub on my mind”

Don Carlos – “Lazer beam”

Blaze Dem – “B. Dubness Of This Creation (7inch)”

Bill Laswell – “Is this love dub”

Bo Marley – “Bauhelm”

Bauchklang – “Barking news”

Certified Bananas – “Kiss the girl (Baltimore remix)”

Dub Trio – “Drive by dub”

Dub Kult – “Cluster fuck”

Deadbeat – “Gimme a little dub”

Al respecto el propio Herc comenta que “toda esa química vino de Jamaica, donde nací y escuché la música de Estados Unidos. Mi artista favorito fue James Brown. Cuando llegué a Nueva York sólo puse la música jamaicana con estilo norteamericano y un ingrediente de danza. En Jamaica sólo se necesitaba un tambor y un bajo (drum and bass). Entonces lo que hice aquí fue ir directo a la “carne”, recortando las introducciones para ir directo al beat, encontrando dónde estaba el break en el disco, extendiéndolo, algo que fascinó al público”.

Una misión crítica empezó a ser desempeñada por un MC (vocalista / maestro de ceremonias) quien coordina las acciones del seleccionador y el operador. El DJ tiene entonces la posibilidad de doblar las vocales (dubbing) y/o improvisar crónicas sociales junto con los instrumentos (toast). Los pioneros se hicieron parte de la leyenda, con los sound systems de Duke Reid, Clement Todd (Downbeat) y los toasters Count Machuki, King Stitt (The Ugly One) y U Roy.

En los primeros días quienes asistían a las fiestas recitaban y cantaban frases populares o el dicho del día; por ejemplo, se acostumbraba que un DJ tomara el micrófono para anunciar la llegada de alguna figura a la fiesta, lo cual era festejado por todos a coro o gritos. Al evolucionar este fenómeno, los gritos en las fiestas se tornaron más elaborados , cuando el DJ, buscando más creatividad, introducía rima a sus palabras, y muy pronto el público empezó a hacerlas suyas como himnos territoriales y cánticos comunitarios. Para entonces el rap era llamado emceeing y la participación vocal comenzó a hacerse artística.

III. Las influencias místicas

Los descendientes de esclavos optaron por el “culto a la madre patria”, con influencia en las Antillas, La Madre África es mitificada y nacen nuevas religiones. En Jamaica, este nuevo “opio del pueblo” se llamó rasta-farian-ismo, que tuvo sus primeros adeptos desde los años 30. Los grupos fundamentalistas se aislaban en cuevas o en las colinas en comunidades cerradas, recreando cánticos y recitaciones con orígenes en ritmos ancestrales, con frecuencia fumando vastas cantidades de cannabis para aclarar sus ideas místicas. El nombre de estas celebraciones tribales es niahbingi, con sólo voz y percusiones, y que constituye la forma musical mejor relacionada con el movimiento rastafari. Hoy en día sólo pocos colectivos siguen las tradiciones ortodoxas, como: Ras Michael & the Sons of Negus y The Mystic Revelation of Rastafari.

La emergencia de un nuevo estilo musical se debió en parte a la aceleración del ritmo, aunque el reggae nació a partir del fenómeno contrario –la sección rítmica es más lenta que en el ska o el blue beat, dándole más peso al bajo. La guitarra principal y/o el teclado están en “la” y dominan las vocales. Con los arreglos que traen a la memoria al soul y al rhythm & blues, este cambio de tono se estabiliza por sí solo a principios de los 70. El reggae, también considerado como una “canción de protesta” tiende a expresar una situación sociopolítica pero, sobre todo, una visión religiosa del mundo, con lo cual el rastafarianismo había encontrado su foro de expresión.

El profundo y rítmico bajo del reggae, combinado con la tendencia de la cannabis a aumentar la apreciación de las resonancias tonales y la distorsión de la percepción del tiempo, al combinarse en los primitivos estudios de grabación, disparó el dub. Era costumbre en la industria jamaicana de la música rellenar los lados B de los discos sencillos de 45rpm con versiones instrumentales de la canción presentada en el lado A. Con la influencia creativa del consumo de hierba sacramental, los productores de discos empezaron a manipular sus perillas muy a su manera, reduciendo la importancia de los agudos y precipitando al frente los bajos, cortando a la vez la pista de vocales, y la suma de vastas cantidades de reverberación a frases fantasmagóricas que se repetían como eco a lo largo de la grabación.

La club culture está viva y se desarrolla. Los sound systems se multiplican en los barrios, pero la diferencia está en el sonido. Se organizaban duelos (sound clash), pero para competir se necesitaba armamento, así es que los ingenieros de sonido empezaron a presionar al reggae para transformarlo. El bajo y las percusiones son pasados al frente. Las vocales son editadas y dispersadas en la mezcla. Dejan de existir las versiones instrumentales simples, encaminándose hacia algo totalmente diferente, algo mucho más poderoso: el dub como un nuevo género.

Al presionar las técnicas de estudio y grabación hacia un estado de frenesí, estos magos musicales habían creado un género completamente nuevo. El dub empieza a circular en las pruebas de impresión de viniles, o dub-plates especialmente para el sound system, en ediciones que en la cultura techno se llaman white labels.

IV. Estampas jamaicanas

King Tubby es una de las leyendas que voltearon de cabeza la escena musical de Kingston. El reggae siempre había suministrado cortes instrumentales para la pista de baile, pero el uso del ecualizador y los efectos de echo y delay, además de una inventiva sin limitaciones, elevó el uso de estas herramientas como una forma de arte. King Tubby había hecho renombre con sus versiones dub de varias canciones populares y pronto otros personajes tomarían su camino con varios grados de éxito. Para los estándares actuales, el equipo utilizado por estos pioneros era más que primitivo. King Tubby y otros como Lee “Scratch” Perry, Errol T y Augustus Pablo derrochaban ideas y creatividad, y la música de este periodo en Jamaica se difundió como ninguna otra antes, pero aún prevalece el misterio de cómo fueron manufacturadas varias de las piezas ahora clásicas, pues la magia inscrita en ellas no deja de sorprender a los productores más vanguardistas del siglo XXI. En 1972 King Tubby inauguró su propio estudio en los suburbios de Kingston y durante el resto de esa década todo material que salió de ahí estaba destinado a hacer historia. Colaboraciones con Lee Perry (Blackboard Jungle Dub) y Augustus Pablo (King Tubby Meets The Rockers Uptown) Glen Brown y Yabby U son escalones necesarios en cualquier compendio musical de los últimos 40 años.

En este contexto, Lee “Scratch” Perry, llamado a ser la figura más pintoresca del dub, fundó su propia escuela derivada de sus varias etapas como productor. Utilizando equipo muy simple Perry fue capaz de trabajar con 4 tracks y hacerlos sonar como si fueran 8, al incorporar varios cortes simultáneamente, repitiendo el proceso. Con tecnología rudimentaria se las arregló para crear una chistera de trucos que muchos productores de la actualidad siguen utilizando. Discos sorprendentes de Max Romeo (War In A Babylon), The Upsetters (Super Ape), Junior Murvin (Police And Thieves), The Heptones (Party Time) y The Congos (Heart Of The Congos), junto con cientos de atronadores sencillos producidos en The Black Ark entre 1976 y 1979. Perry representó un pináculo en la música de Jamaica.

The Black Ark dejó de funcionar en 1979, presa de un incendio, pero también en su ánimo y proyección, y en abril de ese año recibió la visita de Henk Targowski, un empresario dueño de la distribuidora holandesa Black Star Liner, pero no contaba con la locura imperante en The Black Ark; decidió jugársela y reconstruir el trabajo de Perry, y en 1980 ya estaban trabajando. El resultado, un álbum mediocre, The Return Of Pipecock Jacxson. Para la primavera de 1980 el proyecto de restauración fue abandonado.

En 1981 trabajó con otra banda de reggae, The Majestics, resultando en varias buenas presentaciones, una de ellas apoyando a The Clash, y produjo un primer álbum, Mystic Miracle Star. El año siguiente Perry se asoció con el brillante productor británico Adrian Sherwood para hacer el oscuro Time Boom X De Devil Dead, y trabajó con la banda de Sherwood, Dub Syndicate (en muchas formas una versión moderna de The Upsetters). En 1990, Perry y Sherwood se reunieron nuevamente para producir el monumental From The Secret Laboratory, su trabajo más fino desde The Black Ark.

Para mediados de los 90 Lee Perry vivió un renacimiento de su gloria, cuando grupos británicos como The Beastie Boys lo señalaron como precursor de un “nuevo estilo de música”, relanzándose varios de sus antiguos trabajos, culminando en 1997 con Arkology en Island Records, compilación de clásicos efectuada por dos de sus más fieles seguidores, Steve Barrow y David Katz. En abril de ese año el jamaicano sorprendió al mundo con dos frenéticas presentaciones con lleno total en San Francisco, las primeras en más de 15 años en tierras norteamericanas, participando asimismo en junio en los conciertos Free Tibet de New York. En junio del 2000, David Katz publicó la monumental biografía de Perry, People Funny Boy: The Genius Of Lee “Scratch” Perry.

The Disciples emergieron de las raíces subterráneas del reggae y la escena dub en Inglaterra, que evolucionó en torno del legendario sound system rastafari Jah Shaka a mediados de los 80. Durante toda la década anterior el sonido del DJ Jah Shaka discurrió como uno de los más populares en Inglaterra, junto con los colectivos Sir Coxsone, Fatman Hifi, Quaker City, Jah Sufferer y otros, protagonizando largas sesiones nocturnas dentro y alrededor de Londres, donde destacara la población de ascendencia afrocaribeña. Cuando el reggae cambió de dirección en los 80, alejándose de las filosofías rastafari, la mayoría de colectivos se acopló, pero Shaka se negó a seguir la moda, continuando con las técnicas y fuentes tradicionales del ragga. The Disciples empezaron a suministrar piezas a Shaka en 1986, y su música empezó a ser referencia obligada en sus sets. A principios de 1987 produjo su primer álbum y las series Commandments of Dub. Subtitulado Deliverance, el disco desplegó un estable y duro sonido, incorporando una combinación de instrumentos reales y equipo digital barato; incluyeron algunos de sus primeros dubs, y en 1993 autofinanciaron su doce pulgadas Prowling Lion c/w Downbeat Rock en su propio sello, Boom-Shacka-Lacka.

En 1991 construyeron su propio sound system y emprendieron una intensa actividad en el circuito del género, encarando míticas sesiones con otros colectivos prominentes de la escena como Iration Steppas, Abashanti I y Joey Jay` Good Times. En 1997 regresan a la concentración del estudio, aunque Russ D. continuó como DJ en los clubes del género trabajando con su amigo Jonah Dan, y deciden montar un segundo sello, Backyard Movements orientado a la porción de un sonido reggae más ortodoxo, y así grabar a numerosos artistas jamaicanos e ingleses, como Delroy Dyer, Wayne McArthur, High Priest, Tenastillin, Tony Roots, Clive Hylton, Candyman y Prince Allah.

V. La secuela

Para mediados de los 90 el tono estaba fijado para la creación de un sello disquero de suma importancia, The Red Shift, que a partir de 1994 surgió en la forma de un manifiesto anunciando la famosa serie de compilaciones The Crooklyn Dub Consortuim, y programar dark dub, deep y urban beats, pero la eclosión de sonidos iría a tocar las puertas de un breakbeat aligerado por un infra-bass, un fondo caótico de ambient, efectos y manipulaciones electrónicas, sin mencionar los samples y textos que parecían extraídos de alguna catacumba del inconsciente rítmico, con acercamientos a la world music del norte de África, el Medio Oriente y todo género de música negra popular (soul, funk, jazz).

Basado en el denominador común de wordsound, que vincula conceptualmente todas las experiencias musicales, nació un nuevo término para definir este nuevo estilo: dub-hop, la mezcla de elementos de dub y hip-hop, en una sucia y oscura configuración que no excluyen algunas escaramuzas en el territorio jungle. Una versión mid-tempo de este camino reúne una plétora de referencias de illbient, aunque los mismos protagonistas se rehúsan a aceptarlo.

Los autores de estas digresiones son Dubadelic, Roots, Control, Spectre, Dr. Israel, Profesor Shehab e incluso Captain Kowatchi, sin contar con los actores franceses que constelan la escena europea, como Megabyte, The Psycho Priest y The Count of Monte Cristo.

VI. Las huestes de Bill Laswell

Establecido en el vecindario de Brooklyn, llamado “El Coronel”, el honorable Bill Laswell, estableció un estudio que serviría como cuartel de logística. Un veterano en todas las formas de música fundadas en el bajo, Laswell ha contribuido a la promoción de esta nueva generación de activistas del arte, sin que sus asociaciones creativas parezcan tener fin. A sus múltiples iniciativas se han unido personajes de la talla de Mick Harris, quien da rienda suelta a sus fantasías “post-scornianas” con el proyecto The Weakener, estableciéndose después con el sello Equitations of Eternity, junto con su colaborador Eraldo Bernocchi. Por otro lado, Kevin Martín, incapaz de permanecer impasible ante el momento en que el dub esperaba ser contaminado con inyecciones de música industrial, figura con su track “Shake the Nation” como uno de los nuevos próceres del dub.

Fortalecida con todo este talento, la Wordsound Records expandió su influencia en 1997, gracias a la intervención de Baraka Foundation. El resultado fue una estructura más ecléctica, que mezcla la alta tecnología del drum and bass de Mark Pistel (colaborador de Jack Dangers, a.k.a. Meat Beat Manifesto), el mundo ambient de Solar Quest, lecturas de Genesis P. Orridge (el líder carismático de Psychic TV) y documentos nunca vistos (como el accidente de OVNI en Roswell).

El reconocimiento esperado llegó cuando Adrian Sherwood les pidió abrir los conciertos de la gira de The Dub Sindicate en Estados Unidos. Desde entonces se ha establecido una sinergia con On-U Sound: Style Scott, al colaborar con “El Coronel” en Inna Dub Meltdown. De hecho, las conexiones se han multiplicado con otros sellos, particularmente con Mille Plateaux y The R.O.I.R., propiedad de Neil Cooper, alias The Dub Scholar.

VII Un testamento no escrito

No podríamos cerrar este capítulo sin mencionar el despliegue vigoroso y reverberante de las tendencias del ambient dub y del minimal dub, que llevan hasta sus consecuencias más sensoriales las bases del dub, y pensamos por ejemplo en gente como el canadiense Deadbeat, que ha contribuido a generar una escuela del siglo XXI.

Fotos de Matthew Smith Tomadas de este web

Bonus tracks

Ticklah – “Two face”

Karras – “Dubsoul”

La tambora balcánica – mp3 minimix

Posted in MÚSICA with tags , , , , , on julio 30, 2008 by zewx

Balkan Beat Box son Tamir Muskat y Ori Kaplan, junto con los músicos y compositores Itamar Ziegler, Dana Leong, Tomer Yosef, y otros muchos. Muskat y Kaplan son conocidos participando en otros proyectos de impacto como Firewater, Gogol Bordello, J.U.F., Big Lazy, Shot’nez, Victoria Hanna, se han convertido en estrellas de los Balcanes solicitados alrededor del mundo.

De Emir Kusturika, ¿qué se puede decir? Sencillamente con su cinta Underground (1995) internacionalizó parte de la cultura de la exYugoslavia y la -si se puede llamar así-, estética de la guerra multiétnica en los Bacanes, en clave de humor negro. Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, según la wikipedia, es “una banda de “techno-rock gitano”, con mucha sátira a la política y a los musulmanes bosniacos, con lo cual tuvieron muchos problemas con religiosos y políticos”. Curiosamente hay cierta reminiscencia entre la música gitana balcánica y la tambora, pero no la del norte, sino la de Oaxaca. Finalmente tenemos a DeVotchKa, que fusiona varios géneros mediterráneos con bolero, folk eslavo y punk, desplegado en la escena indie con imagen gitana.

Gipsy-indie mix (download)

Balkan Beat Box – “Hermetico”

Balkanizacija – “Goldregen”

Balkan Beat Box – “Gypsy queens”

Emir Kusturica & The No Smoking – “Sanela”

Balkan Beat Box – “Bulgarian chicks”

Devotchka – “Such a lovely thing”

BONUS

Gogol Bordello microMix

(download)

“Last wish of the bride”

“Dogs were barking”

“Gypsy part of town”

“Occurrence on the border”

Las semillas de la rebelión. Primera parte. De los beatniks a los webheads 0.1

Posted in Uncategorized with tags , , , on julio 30, 2008 by zewx

La teoría de las generaciones culturales ha establecido algunos rasgos distintivos en las vanguardias de distintas ramas del arte, que marcan socialmente una década, generalmente posterior a su manifestación. Estos procesos de cambio y revuelta en las ideas y concepciones del universo y la vida humana, se han acelerado y diversificado, en parte por el desarrollo de nuevos medios y posibilidades para la expansión de la conciencia y los códigos culturales que comunican a las generaciones contestatarias.

Una vanguardia no sólo cuestiona en sus bases los modelos imperantes en la política, la sociedad y las artes, también busca sostener un diálogo con la sociedad, o al menos provocarla para garantizar cierta permanencia, con el abanderamiento, a veces involuntario, de la tensa necesidad de alternativas de vida social. Las élites culturales en siglos anteriores a este que termina, se regían por valores de exclusión estamentaria y distinción, que aparentaba un refinamiento de la sensibilidad en torno a las “nobles artes” que sólo la buena cuna prodigaba. Así se constituyeron verdaderos imperios de apariencias abrigadas por una noción burguesa del arte, ejemplificada en el etnocentrismo de las naciones de ascendencia caucásica.

En el siglo XX los intensos procesos históricos en el que las revoluciones y las guerras mundiales tuvieron cruento motor, dieron origen a una sociedad acelerada y empujada hacia el llamado “progreso” y la “modernidad”, y entonces las vanguardias artísticas dejaron de ser desfiles de vanidades selectas y representar en sus biografías mismas como actos estéticos, ese malestar de la sociedad que crecía bajo los brillos de la conciencia pública, tendiente hacia la masificación. Los primeros síntomas de estas euforias atribuidas ala subcultura de los jóvenes, se dieron curiosamente con un viejo patriarca de las letras universales, Goethe, y la ola de suicidios que siguió en Alemania la publicación de su novelita Las cuitas del joven Werther, donde los impulsos trascienden al razonamiento.

A principios de este siglo, con las ideas socialistas, anarquistas y nihilistas circulando como himnos en las bulliciosas calles de la Europa citadina, las vanguardias se inscribieron en la política para difundir su pensamiento y sus obras, y se llamaron -a veces sin proponérselo- a jugar un papel de vindicación social, como Tristan Tzara y su séquito dadaísta, los futuristas y manieristas italianos, Bretón, Dalí, Artaud y en México los estridentistas, revolucionaron tanto las artes de su tiempo que se convirtieron en paradigmas de generaciones posteriores.

En los años cincuenta, cuando la pirámide generacional de las sociedades occidentales creció en su base, adelgazándose en la cúspide (la población adulta durante la segunda guerra mundial), la historia estaba preparada para varias décadas de rebelión juvenil, la llamada cultura underground. El grupo de vagos inspirados, artistas de la calle que se formó en Estados Unidos a finales de esa década, amorfo y sin responsabilidades, hizo del desorden y el caos una explicación primigenia del espíritu instintivo y salvaje que anima a la creatividad y la libertad de acción, por sobre todas las cosas, y de esas borracheras de locura se formuló las desfachatada militancia de la generación beat.

La estética colectiva engendrada en las francachelas de varias mentalidades creativas, hicieron del círculo de Jack Kerouac, William Burroughs, Allen Ginsberg, Gary Snyder y Michael McClure, un foco infeccioso de ideas revolucionarias que llegan hasta nuestra entrada a un nuevo milenio, cobrando pleno sentido y pertinencia.

Mientras esperas la segunda parte de este artículo, disfruta de una de las colaboraciones de Burroughs. Ésta con el grupo Material, del chamán del dub cósmico y el ambient sicodélico Bill Laswell.

Material & William S. Burroughs – “The seven souls”

La memética y el advenimiento de los virus mentales

Posted in CIENCIA Y TECNOLOGÍA with tags on julio 29, 2008 by zewx

Bien dicen algunos filósofos de este fin de siglo que cualquier supuesto que quiera explicar la vida puede comprobarse; toda teoría encuentra lo que busca, en pocas palabras. Ahora todo parece compararse con la microbiología, que invade las explicaciones de la cultura en este planeta. La memética es una nueva disciplina que concibe las ideas como virus. El autor del término meme (se pronuncia mim), Richard Dawkins, en su libro The selfish gene (El gen egoísta), explica que un virus no se puede replicar a sí mismo, necesita “piratear” el DNA de una bacteria para ordenarle su múltiple, mutante reproducción. Similarmente, una idea puede parasitar tu mente y alterar tu comportamiento, provocando que quieras difundirlo entre tus cuates, exponiéndolos a la idea-virus. Cualquier idea que hace esto es un meme.

Los memes nacen en un momento histórico y socialmente determinado y encuentran las condiciones para crecer, desarrollarse y garantizar su existencia abordando la información de otros organismos, transformándolos y utilizándolos como vehículo de transmisión y propagación. Un meme es un patrón pirata de información.

Parece escabroso pero algunos meméticos plantean prácticamente que los seres humanos son anfitriones de flujos de símbolos alteradores de la mente, pero explican que después de todo, ¡precisamente de eso se trata la cultura!

En el proceso evolutivo de ésta se ha propagado una enorme variedad de memes, unos inocuos, y pronto extinguidos o debilitados, pero otros que aseguran su existencia durante siglos y hasta milenios. Es decir, que hay memitos y memotes.

Un ejemplo del primero serían las películas de karatazos, que en los 70 fue una verdadera fiebre. Otro meme notable es el nintendo y el boom de los dibujos animados japoneses. Algunos ejemplos de memotes son: el machismo, el feminismo, el pensamiento medieval, la cibercultura y cualquiera de las grandes religiones como el cristianismo. Lo curioso es que cada cual alberga un meme particular: mi versión del cristianismo, tu versión de la “filosofía” new age, que transmitimos a nuestra manera a los demás. Asimismo, tu virus de la gripa no es igual que el mío, y al contagiarlo es ya otro virus, pero sigue siendo el de la gripa.

Un meme de memes o metameme sería este artículo, que trata de persuadir sobre la existencia de esa virología mental. Algunos detractores, sin embargo, ven en estas aseveraciones un nuevo tipo de darwinismo, aplicado a las ideas.

::::: Ver el interesante artículo de Rafael Robles Loró, Memética e historia. Te recomendamos el portal Filosofitis para éste y otros temas. También recomendamos este glosario, “Léxico memético” de términos referidos a este modelo. Y para un interesante cruce entre memética y psicología, este artículo sobre las teorías de Salvador Freixedo.

Sexo y energía – Los arcanos elementales I / El camino del Tao: el sexo como arte

Posted in SOCIEDAD with tags , , , on julio 25, 2008 by zewx

Aunque de las prácticas sexuales de Oriente sólo se sabe lo más superficial o lo que difunden los medios masivos de manera ultra simplificada, para los antiguos tener sexo, por ejemplo en China, tiene que ver con una filosofía vital, que concibe el placer no como un ritual monástico –según versiones de folleto para turistas–, porque el goce mismo es una manifestación de la vida, y el acto sexual una de sus manifestaciones de la eternidad. Como en el budismo zen las contradicciones encierran un sentido: ahorrar mejor par gastar con placer, porque el más intenso, pleno, duradero, es al mismo tiempo revelación de una disciplina, algo que cobra especial importancia en una sociedad educada mayoritariamente con los valores occidentales del consumo y el despilfarro, donde la disfunción eréctil, la frigidez psicosomática y otros padecimientos como la eyaculación precoz son atacados con modernos y costosos medicamentos, o aparatos milagrosos que no atienden las causas. El camino del Tao es una filosofía práctica que nació en China hace más de 2000 años, y libre de los prejuicios occidentales, considera la sexualidad como parte integral del ser humano y del universo. No existe el morbo, la culpa o la represión, y el sexo no es en manera alguna pecaminoso, sino altamente satisfactorio, física y emocionalmente y se le relaciona directamente con la belleza y la longevidad, por lo cual en el transcurso de los siglos se convirtió en un arte.

Esta disciplina se basa en tres principios elementales:

– La regulación de la eyaculación

– La satisfacción plena de la mujer

Diferenciar entre orgasmo masculino y eyaculación

Las enseñanzas de las antiguas dinastías chinas nombran al semen y su energía vital como Ki, el cuerpo la necesita para su salud y armonía. Conservarla en el cuerpo masculino Yang, proporciona la fuerza para enfocar tareas de esfuerzo físico e intelectual y concentración energética. Esta correspondencia en el mecanismo genésico masculino y su importancia para el goce femenino, no podrían entenderse sino en el contexto de una filosofía del goce físico, integrado al disfrute intelectual, algo difícil de entender a la luz del cristianismo y el protestantismo en sus más variadas expresiones, donde la continencia tiene que ver con el pecado, cuando en el taoísmo tiene que ver, por el contrario, con el control mental y una fruición sexual más profunda.

Esto tiene algunas aplicaciones conocidas en el deporte, por ejemplo, cuando se exige continencia sexual a los deportistas que pasarán duras pruebas físicas y mentales, pero no es por la cópula en sí misma sino en la eyaculación, que se verifica la pérdida del fluido de la fuerza primigenia, y es en este punto en que el Tao tiene un camino que enseñar a quienes busquen un sentido más placentero a las relaciones sexuales.Su práctica, según sus adeptos, puede traducirse en un desempeño incluso prodigioso, en el momento en que se tiene bajo control un combustible sexual que mientras menos se gaste y mejor se controle, más poder proporciona, sobre todo cuando se lleva a la práctica durante varios meses y años, hasta hacerlo un hábito marcial, sí, aunque parezca un ejercicio muscular riguroso, de hecho es bastante parecido, pero como todo empeño, tiene sus recompensas y promete devolver una salud total en la arena de los deseos.

El Tao y la sexología de hoy coinciden en que el objetivo en la relación sexual no es el orgasmo ni la eyaculación, y el Tao indica que la finalidad del sexo pleno es la salud mental y física del ser humano.

¿Cuántas veces podría un hombre tener relaciones sexuales sin eyacular y durante cuánto tiempo? No, no te imagines a un pobre tipo aguantando la respiración y sudando la gota gorda conteniéndose, porque se trata de todo lo contrario, de jugar, de retozar. La cuestión parece ilógica si se piensa desde una perspectiva en la que se concibe la expulsión de esperma como la finalidad del acto sexual, pero de esta manera es fácil entender la razón de que lo que parece una noche de lujuria termine en cuatro minutos de clímax y eyaculación, muchas veces sin satisfacer a la mujer. Por eso el control del semen puede convertirse en una tensión emocional que hace la diferencia entre el placer pleno y la frustración; la confianza del hombre en sus facultades para hacer gozar a la mujer depende de este dominio. Ya sea un coito de pocos minutos o varios de más de una hora lo importante es no tener prisa, y aplicar los sentidos en una experiencia erótica sin barreras físicas o mentales.

Quienes han practicado alguna vez o saben que la base del yoga es la respiración, tendrán una imagen clara de lo que sucede con el Tao del sexo, en el que el flujo respiratorio se convierte en ingrediente orgánico del bienestar energético físico y mental.

Estas son las reglas del Tao esotérico del amor y el sexo:

- Evita pensar en la eyaculación como fin en sí mismo.
- Encuentra con tu pareja una sintonía común, por medio del masaje suave en hombros, cuello y músculos de la espalda.
- Estimula sin prisa las zonas sensibles e invita a tu pareja a hacer lo mismo.
- Antes de iniciar el coito trata de propiciar una atmósfera hipersensorial, con la estimulación de las zonas erógenas y el empleo de todas tus partes sensibles, desde la lengua hasta los genitales.
- Si durante la primera fase del coito sientes una posible eyaculación es algo que puedes vencer apretando con dos dedos, a manera de tijera, el conducto seminal, localizado justo debajo de los testículos.
- Para vencer el deseo de eyacular puedes emplear un conteo de las penetraciones en la vagina de tu compañera, contando tres de corto alcance y una profunda, en series de 30.
- Trata de darle un sentido a la respiración y al ritmo de tus movimientos.
- Cambia de posición cada 10 minutos aproximadamente.
- Es aconsejable descansar para enfocarse en caricias y palabras estimulantes.
- Las veces que puede tenerse relaciones sexuales puede ir desde dos veces a la semana a dos veces al día, pero una sola eyaculación a la semana cuando mucho.
- Mientras más veces se tenga sexo y más tiempo se practique, más asombrosos resultados se experimentan.

Las técnicas del Tao esotérico están destinadas en gran parte a los hombres pero las mujeres, al conocerlas, podemos contribuir entregándonos con toda soltura al arte de retozar y hacer de cada acto una obra de arte.

Nanotecnología. ¿La promesa total? Introducción general

Posted in CIENCIA Y TECNOLOGÍA with tags , , , on julio 25, 2008 by zewx

La nanotecnología (definición Wikipedia; definición UNAM) permite controlar la estructura de la materia, molécula por molécula, con la capacidad de manipular átomos individuales y construir mecanismos con características prediseñadas

Los poderes del microcosmos

Nuestra época vive uno de los más formidables cambios a punto de suceder. En los próximos años veremos que el conocimiento generado por varias generaciones de científicos a mediados del siglo XX, se conjugará con los acelerados avances en muchos campos de la ciencia y la tecnología que llevarán muy pronto estos beneficios a un gran número de personas en todo el mundo, con aplicaciones en la salud, la agricultura, la industria, la energía, el transporte, además de que se abrirán ramas científicas y técnicas totalmente nuevas, que en su totalidad transformarán nuestras formas de vida. Entre las tecnologías que en un futuro cercano producirán este tipo de cambios es la nanotecnología, de la cual se suele decir que es más fantasía y publicidad que un desarrollo práctico, puesto que se considera que está en una fase inicial. Lo cierto es que su desarrollo tiene que ver con diversos campos de la investigación científica.

¿Qué es la nanotecnología?

El sufijo nano significa la milmillonésima parte de un metro, y en términos tecnológicos significa la capacidad de manipular la materia a nivel molecular e incluso atómico, y construir artefactos muy pequeños para una gama prácticamente infinita de finalidades.

Las transformaciones de la materia a nivel microscópico no ha sido ajeno al ojo humano, pero hasta hoy se ha logrado conjuntar los conocimietnos y técnicas necesarias para obtener una dimensión de utilidades tan vasta que en teoría podría resolver muchos de los más grandes males, antiguos y nuevos, que afectan a la humanidad, como el hambre, las sequías, la erosión de las tierras fértiles, la contaminación en todas sus variantes, el remedio definitivo para las enfermedades consideradas hoy incurables. Industrias como la minería se verán totalmente transformadas. La naturaleza es el mejor ejemplo de una maravillosa fábrica de materia inteligente y nuevas formas de vida, diseñadas por el ser humano, al interactuar directamente con las moléculas, para estudiar y explotar los procesos entre ellas a nivel nanométrico, incluyendo, por supuesto, el interior de las células vivas. Aunque las ideas para hacer realidad la nanotecnología ya tienen algo de historia, hasta hace pocos años los científicos cuentan con las herramientas y técnicas necesarias para hacerla útil a la sociedad. Algunos científicos han empezado a investigar cómo reaccionan las células ante topografías formadas por el borde de una capa de moléculas proteicas. Otros han desarrollado técnicas que permiten construir estructuras tridimensionales de moléculas para producir materiales con características definidas, que cambian sus propiedades cuando su medio ambiente se altera (reacción frente al pH, como un ejemplo entre cientos).

A este nivel de sofisticación, será posible diseñar biosensores, biomateriales, e incluso laboratorios integrados en un único chip. Y es que trabajar a pequeña escala implica análisis químicos más rápidos, eficientes y baratos. Los primeros prototipos de microlaboratorio pueden realizar un proceso de electrofóresis en apenas 10 o 20 segundos, frente a una hora o más en los laboratorios convencionales.

Gracias a una emergente tecnología de fabricación de chips llamada “sistemas microelectromecánicos” (MEMS) se podrán fabricar robots del tamaño de una hormiga, giroscopios que cabrían en la punta de un alfiler y emisiones de televisión enviadas directamente a la retina humana. Aunque los microrobots “mágicos” estén a lustros de distancia, ya existen los MEMS y forman parte del presente en industrias de impresión, automotriz y las relacionadas con el envío de señales, como las telecomunicaciones.

La nanotecnología fue derivada de los conocimientos generados en la investigación en la industria de los semiconductores y de las amplias propiedades del silicio, y será una una de mejores alternativas cuando dentro de poco se alcancen los límites físicos del silicio en la acelerada miniaturización de los componentes electrónicos, y hará posible construir computadoras que en lugar de operar con microcircuitos lo harán con procesos químicos.

La velocidad de las reacciones a esta diminuta escala se debe a leyes bien conocidas. Las moléculas deben encontrarse unas a otras para reaccionar, lo cual sólo pueden hacer por difusión. Las escalas de difusión son tales que si reducimos las dimensiones lineales por un factor de 10, el ritmo de difusión se incrementa por 100. De esta forma, reduciendo los volúmenes de 1 microlitro a 1 nanolitro, se obtienen bioanálisis que se pueden hacer 100 veces más rápido.

La precisión del diseño molecular y atómico puede producir estructuras metálicas libres de micro-imperfecciones, incluso las vigas hechas con precisión atómica durarían más y soportarían grandes cargas. La obtención de nuevos materiales y utilización de otros recursos tecnológicos han modificado la concepción de cuanto nos rodea, y la arquitectura tendrá que involucrarse con ella para estar a la vanguardia de los avances científicos y encontrarle fructíferas aplicaciones en la construcción, como es el caso de las cortinas líquidas, vestíbulos a prueba de balas, telas metálicas, aerogel, superconcreto, biocompuestos, pinturas térmicas, muros inteligentes, entre otros. Para un plazo más “lejano”, digamos unos 30 años, los futurólogos esperan invenciones nanotecnológicas que parecen de ciencia-ficción, pero es un hecho que en la actualidad estos avances ya cuentan con aplicaciones prácticas muy importantes.

Todas las maravillas tienen un comienzo. Los primeros pasos

La nanotecnología ha estado entre nosotros como concepto desde hace cuatro décadas. Sin embargo, la investigación seria en este campo dio inicio desde 1989, cuando la compañía IBM perfeccionó un microscopio para escanear y capturar imágenes de los átomos. Desde entonces las aplicaciones concretas han sido pocas, y por el momento los resultados han sido más espectaculares que prácticos, como la misma IBM cuando presentó el ábaco más pequeño del mundo, utilizando moléculas con un dámetro menor a un nanómetro (la milmillonésima parte de un metro), o los investigadores de la Universidad Cornell, quienes construyeron una guitarra de seis cuerdas, del tamaño de un glóbulo blanco.

Muchos años antes, en 1959, en un discurso memorable, el premio Nobel de física, Richard Feynman, que más tarde fue publicado con el título: Hay suficiente espacio en el fondo, pregonó las maravillas de un mundo futuro de abundancia para todos, y 25 años después estas mismas visiones supertecnológicas de una naturaleza reinventada y manipulada por el ser humano fueron expuestas por Eric Drexler en su libro Motores de la creación (1986), en el que describe bellamente la manera en que la manipulación molecular y atómica de la materia conducirá a un utópico futuro de plenitud, planteando a su vez que casi todo padecimiento humano o problema físico será atendido por medio de la nanotecnología y la inteligencia artificial.

En un libro posterior, Unbounding the future: the nanotechnology revolution, Drexler imagina algunas de las innovaciones nanotecnológicas, con énfasis en la producción de ensambladores a nivel molecular, aunque hoy la comunidad científica piensa seriamente que este camino llevará a abrir una auténtica caja de Pandora, por la serie de riesgos que representa este poder.

Nanofuturos posibles. Miniaturas colosales. ¿Qué podemos esperar de la nanotecnología?

Según los futuristas, el medio ambiente tomará una nueva vida mezclado con la tecnología. Las paredes tendrán circuitos lógicos y sensores diminutos; pantallas de alta resolución para la retina, microrobots que tomarán medidas de zonas inaccesibles para el ser humano, conmutadores de fibra óptica con capacidad en terabits, mediante switches MEMS, y otros fascinantes proyectos que se están gestando hoy mismo.

Los ensambladores moleculares trabajarían con una cantidad increíblemente baja y barata de energía solar y los especialistas no dudan que serán la clave para logros que hoy serían considerados casi milagros: curar el cáncer y otras enfermedades actualmente incurables, reforzando el sistema inmunológico humano; emprender una limpieza completa del medio ambiente; supercomputadoras de bolsillo ridículamente baratas, y hasta la “restauración” de especies vegetales y animales extintas.

Colofón con robots miniatura y la paternidad de Asimov

Hace algunos años, los especialistas en ciencias del cómputo proclamaron que la tecnología desarrollada estaba muy lejos de llegar a un robot que emulara aceptablemente algunas de las funciones básicas del ser humano, como el pensamiento. Hoy, el avance tecnológico puede cambiar esta perspectiva, y muy pronto.

Las ideas de contar con entidades autómatas que facilitaran nuestro diario vivir estrían largamente relegadas a la ciencia ficción. Crear una computadora compuesta de un mecanismo biomecánico para efectuar acciones deliberativas, estaba hace algunas décadas en el armario de la fantasía, y entre las lejanas esperanzas de la Inteligencia Artificial.

Pero todo este panorama cambia rápidamente con el desarrollo de nuevas tecnologías que no están necesariamente relacionadas con la Inteligencia Artificial, como del cómputo distribuido y, sobre todo: la computación evolutiva.

Un grupo de investigadores trabaja en el diseño de microcircuitos que se adaptan y evolucionan según los estímulos recibidos del entorno. Bajo estos principios se construyó en 1999 el cerebro artificial más complejo del mundo, para ser implantado en un robot que parece gato llamado Robokoneko, que le permitirá interactuar con el exterior.

El cerebro artificial, denominado Máquina Celular Autómata (CAM por sus siglas en inglés), construido por Hugo de Garis por encargo de la compañía Genobyte, consiste en 37.7 millones de neuronas artificiales, dispositivos físicos que dejan atrás las simulaciones de software. Cada neurona está compuesta de microcircuitos agrupados que simulan los procesos de sinapsis o comunicación entre neuronas. Todo el sistema funciona de acuerdo con parámetros que representan una evolución biológica, pues las conexiones y dispositivos se reconfiguran de acuerdo con los distintos eventos experimentados.

Este desarrollo no sería posible sin la libre colaboración entre científicos de distintas empresas y naciones, y este espíritu es el que podría adelantar en décadas los avances tecnológicos que se atrofiaron en el pantano histórico de la guerra fría.

Por otro lado, las estadísticas no mientes, al señalar que durante la década de los 80 se duplicó el número de robots, primero en áreas especializadas como la exploración espacial, la cirugía y la industria de los servicios, sin que su crecimiento poblacional se detenga desde entonces, estando casi perfectamente integrados máquinas y seres humanos en ambientes de trabajo como la agricultura, la construcción y la industria automotriz.

Después de 1985 los avances en la manufactura de microcircuitos más veloces y pequeños, la tecnología de los microsensores, los descubrimientos de la nanotecnología, la realidad virtual, la inteligencia artificial, etcétera, suponen un avance y mejoramiento sin precedentes hacia la robotización de numerosos de los procesos productivos y culturales de las sociedades actuales.

Las estadísticas insisten en que:

Por cada 10 mil empleados dedicados a la fabricación, el número de robots en el área ascendió de 8.3 a 265 de 1980 a 1996 en Japón; en Alemania pasó de 2 a 79; de 3 a 38 en Estados Unidos, y de 0 a 98 en Singapur.

Durante el mismo periodo la población de robots en todo el mundo pasó de 35 mil en 1982 a 677,000 en 1996, y se estima que la cifra alcance los 950,000 en el año 2000.

Fuente: Robotics

Sin embargo, sería peligroso ignorar las implicaciones sociales, políticas y culturales de este escenario, y bien cabría recordar las tres leyes de la robótica, enunciadas por Isaac Asimov, que siguen inquietando por su simpleza y precisión:

• Los robots jamás deberán lastimar a los humanos, ni por inacción permitir que sean lastimados. • Los robots deben obedecer las órdenes de los humanos, a menos que al hacerlo entren en conflicto con la primera ley. • Los robots deben proteger su propia existencia, a menos que al hacerlo entren en conflicto con las dos primeras leyes.